探析中国画在绘画艺术中的地位和价值
摘要：中国画是一门具有极高文化价值和审美价值的民族艺术，它深深地扎根于中华民族深厚的文化土壤之中，经历了数千年的发展，形成了融合整个中华民族文化素养、审美意识、思维方式、美学思想和哲学观念的完整的艺术体系，是人类最优秀的文化遗产之一。
关键词：中国画 中国画艺术 绘画艺术
中图分类号：j205 文献标识码：a 文章编号：1008-3359（2018）02-0035-03
中国画历史非常悠久，源远流长，迄今为止发现最早的绘画艺术，被称为“仰韶文化”，距今有6000多年的历史，若从史前的岩画算起，已逾3万年的历史。中国绘画在宋代达到了登峰造极的境界。明清时代，中国画达到繁荣昌盛，画派较多，其特点是品位高雅、情操高尚。近现代的杰出画家灿若群星，可谓举不胜举。古今这些众多的中国画家为中国绘画艺术的发展做出了杰出的贡献。 一、中国画的审美意义
中国画的审美意义主要有三点：一是意境，二是格调，三是气韵。
（一）意境
所谓意境，在中国艺术理论中，通常把作者思想情感的表现叫做“意”（或“情”），把画面形象叫做“境”（或“景”“象”），二者有机结合便形成“意境”。
1.诗情画意。中国的诗与画都重视抒情言志，例如清代朱耷（山人）痛感国破家亡、朝政，他笔下的花鸟冷隽怪诞，体现了画家对现实的藐视和对统治者的反抗。他所画的禽鸟和鱼类都是“白眼向人”，以宣泄一腔悲愤，有人评论朱耷的画是“墨点不多泪点多”。一些画家多爱画劲松、寒梅、翠竹，多注入自己的思想感情，意指自己高风亮节或不与世俗合流。
2.以形写神。中国绘画追求的是气质和神韵，形神兼备，即“艺术的真”。中国绘画的基本美学性质，就是具象美与抽象美的矛盾统一体。中国画再现客观事物，在塑造形象上不单纯拘泥于外表形似，还必须做到神似，力求表现对象的精神本质。形与神是中国绘画的核心问题，对于“形”，不是如实地描摹客观物体，追求形象上的酷
似，而是经过概括、锤炼，由“形”提取它的“神”，即“以形写神，形神兼备”。
（二）格调
格调愈高，意境愈深。对于中国画家而言，格调的高低关系着艺术造诣的高低，历代著名画家没有不在格调上下工夫的，可以说，格调是画家基本功的直接体现。对中国画的欣赏仅有绘画方面的常识是不够的，还应当了解中国文化、中国哲学的发展变化及其对绘画的影响，通过对诗歌、音乐、书法的欣赏提升对中国传统艺术精
神的全面理解，在不断的欣赏实践过程中丰富和提高审美欣赏能力。 1.用笔。中国画的“线”可以造型，亦可以抒情，还可以写意是多重功能的，之所以如此，是因为中国画的姐妹艺术——书法的高度发达，对中国画产生着强烈的影响。例如，元代大画家赵孟頫《题赵魏公画竹》云：“石如飞白木如籀，写竹还应八法通，若也有人能会此，方知书画本来同。”清代大画家石涛把中国画的全部精神归结于“一画”；明代李日华认为中国画必须“以笔勾取”（点画为主，晕染为辅，晕染时也要注意用笔——笔者注）；王时敏云“字要写不要描，画亦如之”如此等等，其深意皆在用笔。
2.用墨。色与墨之间的关系，要求“以墨为主，以色为辅。色之不可夺墨，犹宾之不可夺主也。故善画者，青绿斑斓，而愈见墨彩之胜发”。要求“色不碍墨，墨不碍色。又须色中有墨，墨中有色”。中国画的色彩具有很强的性和主观性，在花鸟画中尤为突出。中国花鸟画设色十分讲究用笔，和用墨同样道理，现代花鸟画家、山水画家，设色更为大胆。
3.设色。中国画设色具有鲜明的民族审美特征。设色具有画家的主观色彩。如，现实生活中竹子本来是绿色的，而传统画中的墨竹却被画成黑色。苏东坡甚至喜欢用朱砂来画竹，称之为朱竹，人们欣赏苏东坡的朱竹，只觉得他笔下的竹子神完意足，风致潇洒，极富艺术魅力，誰还在乎颜色的红与黑呢？水和天空一般不着色，而是以空白来表现。古人所谓“以素为云，借地为雪”就是这种表现方法。所以中国画常常省去背景，这也是我们民族传统的审美习惯。 （三）气韵
“气韵生动”是中国绘画追求的最高目标，也是评画的最高标准。“气”是中国古代哲学的一个概念，指世界万物的本原。在中国画论中，按我们的理解，“气”是指画的活力所在；“韵”则是“气”这种活力带来的隽永味道，主要是：画中人物所表现的高雅、清远、放旷
的情调，画中物象的含蓄、柔情、清雅、润淡等特点，画中墨色的素简清纯和丰富的色调变化。“气”与“韵”的融合，构成气韵。气韵是用于鉴赏人物画的，后来发展到不仅用于人物画，而且用于山水画、花鸟画，要求一切绘画都气韵生动。气韵生动，画才有活力，才有袅袅余音，才能引人入胜，获得浓郁的审美感受，正如宋代范温所言：“韵者，美之极”。 二、中国画的价值
几千年来，中国绘画形成了其自身较为稳定而又富有包容性的核心价值，这种价值是中国绘画大放异彩的内在根据。为什么说中国画有其独特的魅力呢？这是因为中国绘画有其独特的核心价值。
